PHOTOGRAPHIE CONCERTS & FESTIVALS

Quel Matériel Photo Choisir pour Photographier un Concert ou un Festival ? Le Guide Complet.

Lumières changeantes, mouvements imprévisibles, contraintes d’accès… Photographier un show en live demande bien plus qu’un bon œil : il faut une vraie préparation et le bon équipement. Reflex ou hybride ? 24-70 ou 70-200 ? Plein format ou APS-C ? Fort de mon expérience je vous partage ici un guide complet pour vous aider à choisir le matériel adapté et réussir vos premières photos de concert, du premier clic jusqu’au post-traitement.

PAR
ANTHONY CARREL

6 août 2025

Le matériel photo d’un concert représente l’un des éléments clés pour relever l’un des défis les plus passionnants de la photographie événementielle, et certainement le domaine le plus stimulant et formateur. Photographier un concert ou un festival demande une certaine maîtrise et technique pour réussir à jongler entre une lumière changeante ainsi qu’une ambiance effervescente. Immortaliser un show en live nécessite rigueur et équipement optimisé afin de capturer de beaux clichés. Cet environnement requiert aussi une préparation minutieuse et une étude du terrain pour s’y adapter au mieux.

Que vous soyez photographe débutant souhaitant réaliser vos premiers concerts afin d’immortaliser vos artistes préférés ou que vous soyez passionné souhaitant franchir le cap professionnel, le choix de votre équipement photo sera déterminant afin de pouvoir capturer des photos de qualité.

Bien entendu, la technique, la maîtrise et l’entraînement vous permettent d’obtenir des images dignes de ce nom. En effet, contrairement à d’autres disciplines, la photographie de concert ne pardonne pas et ne vous laisse aucune erreur technique. Pour ces raisons, il vaut mieux être préparé. Mais quel matériel photo acheter ? Est-il nécessaire d’acheter du matériel haut de gamme et dernier cri ? Est-ce qu’un simple appareil photo peut faire l’affaire ? Comment se préparer au mieux à un concert ? Quels réglages utiliser ? Quel objectif choisir ? Autant de questions auxquelles nous essaierons de répondre dans cet article.

De par mon expérience de nombreux concerts et festivals où j’ai pu être accrédité en passant par Taylor Swift, Billie Eilish, ou encore des festivals comme Lollapalooza, je reviens sur mon expérience afin de vous présenter les conditions de cet environnement et répondre à vos questions afin de vous préparer au mieux à votre premier concert en tant que photographe.

Les défis spécifiques de la photographie de concert

Conditions de lumière extrêmes

La lumière dans un concert est l’une des choses les plus importantes à maîtriser. En effet, elle fait partie de l’un des paramètres les plus importants en général dans la photographie et elle le devient d’autant plus lorsque vous photographiez un concert. En effet, la lumière impose des contraintes lumineuses uniques au vu des éclairages spécifiques, alternant entre spot aveuglant et pénombre totale en quelques secondes.

En effet, ces conditions extrêmes vont vous demander un matériel pertinent afin de pouvoir tirer les bénéfices et obtenir les meilleurs clichés d’une scène en live. À mes débuts, j’ai longtemps cherché ces informations et appréhendé mes premiers concerts. J’avais l’impression que c’était le bout du monde et que je ne m’en sortirais jamais. Avec un peu d’organisation et de bon sens, et une fois que vous aurez bien compris les règles et les bases de la photographie, vous comprendrez rapidement qu’il n’y a rien de très compliqué. Il vous faut donc un bon boîtier (dont nous verrons plus tard dans l’article vers quelle marque et vers quel boîtier et objectif vous orienter) qui puisse gérer ces situations chromatiques difficiles tout en préservant les détails dans les hautes et les basses lumières.

Mouvements rapides et énergie du live

Ce à quoi vous devez également vous préparer, ce sont évidemment les mouvements de l’artiste et de ses potentiels danseurs. Contrairement à un shooting de mode ou en extérieur, vous n’avez aucune maîtrise sur le sujet. C’est à vous de vous adapter en fonction de ses mouvements, de ses déplacements ainsi que de ses interactions avec le public. Vous devez choisir le bon angle de vue et suivre le sujet ainsi que ce qui se passe autour afin d’obtenir les meilleurs clichés. Votre vision et votre style viendront également ajouter une dimension différente aux photos que vous allez prendre. Certains photographes aiment prendre des plans serrés de l’artiste et d’autres vont aimer prendre l’entièreté de la scène ainsi que les danseurs, les lumières et les potentiels décors qui se trouvent sur scène. D’autres aiment faire des focus sur des accessoires de l’artiste et prendre des photos à son image et son style.

Encore une fois, ici il sera primordial d’être équipé d’un boîtier qui dispose d’un système autofocus réactif et de vitesses d’obturation élevées pour figer l’action sans flou de bougé. En effet, la spontanéité du spectacle vivant ne laisse aucune place à l’hésitation. Votre matériel doit répondre instantanément à votre intention créative, sans délai ni compromis technique. À mes débuts, mal équipé, j’ai été face à des situations où mon autofocus ne suivait pas correctement mon sujet et où la montée en ISO venait ajouter du grain à mes images, étant donné que je n’avais pas un objectif disposant d’une ouverture me permettant de les diminuer.

Contraintes d'accès et de positionnement

Au-delà de l’équipement et de la technique, il faudra prévoir les conditions qui vous seront imposées par l’équipe de production ou l’équipe de l’artiste. En effet, la règle des trois premiers morceaux vous demandera de rester concentré pendant un temps imparti. Une fois dans le crash barrier, d’autres règles peuvent s’appliquer : espace restreint, interdiction d’utiliser le flash, interdiction de s’approcher de la scène, etc. Cette contrainte renforce l’importance d’un équipement polyvalent et silencieux, capable donc de s’adapter rapidement aux différentes compositions sans perturber le spectacle.

L'appareil photo idéal pour les concerts et festivals

Reflex ou hybride : que choisir ?

À mes débuts, j’ai commencé avec un boîtier Nikon reflex. Depuis l’apparition des appareils hybrides modernes, ces boîtiers ont littéralement révolutionné la photographie de concert. J’ai longtemps hésité avant d’investir dans un hybride, mais si le budget vous le permet, je vous conseille de partir sur un hybride. En effet, ce type de boîtier vous permettra de visualiser l’exposition en temps réel grâce à sa visée électronique, afin d’obtenir un avantage considérable face aux éclairages changeants. De plus, étant donné que la scène peut parfois être très haute par rapport au crash barrier (entre parenthèses, l’espace entre la scène et le public), la visée électronique permet parfois de prendre des photos en hauteur en montant votre appareil en l’air, tout en voyant ce qui se passe sur l’appareil. Cela peut vous permettre également d’obtenir des plans rapprochés avec des angles différents. Le rendu sera d’autant plus spectaculaire.

Toutefois, les reflex conservent néanmoins certains atouts puisqu’ils disposent d’une autonomie supérieure, d’une ergonomie éprouvée et d’un parc optique plus étendu. En effet, le choix dépendra de vos priorités entre innovations technologiques et valeur sûre, et bien évidemment votre budget. Je rappelle toutefois que même s’il est important d’avoir le bon matériel pour se préparer à un concert, le matériel ne fait pas le photographe. Vous pouvez faire de très belles photos avec un vieux reflex Nikon, tout autant que vous pourrez en faire avec un hybride. Tout dépend de votre technique et de votre maîtrise.

Capteur plein format vs APS-C

Le capteur plein format s’impose comme la référence pour la photographie de concert professionnelle. Sa surface plus importante capture davantage de lumière, autorisant des montées ISO plus élevées avec moins de bruit numérique. Cette caractéristique devient cruciale dans l’obscurité relative des salles de concert.

Les capteurs APS-C restent pertinents pour débuter, offrant un excellent rapport qualité-prix. Leur facteur de recadrage (x1,5 environ) peut même constituer un avantage pour les téléobjectifs, permettant de se rapprocher optiquement de la scène.

Les modèles recommandés par budget

Une liste non exhaustive, mais si vous êtes perdu parmi plusieurs références de boîtier et de marque, voici selon moi quelques références qui peuvent faire le travail :

Entrée de gamme (500-1000€) : Canon EOS R10, Sony α6400, Nikon Z50

Milieu de gamme (1000-2500€) : Sony α7 IV, Canon EOS R6 Mark II, Nikon Z6 III

Haut de gamme (2500€+) : Sony α7R V, Canon EOS R5, Nikon Z9

D’ailleurs, si vous cherchez un photographe professionnel pour couvrir un concert ou un festival, je vous invite à découvrir mon offre complète de services de photographie de concert et de festival.

Quel matériel photo de concert pour débuter ?

Le 24-70mm f/2.8 : la polyvalence avant tout

J’ai photographié mon premier concert avec un f/4 et j’ai très vite compris qu’il fallait que j’investisse si je voulais obtenir des clichés de qualité. Voulant rapidement progresser, j’ai donc investi dans un 24-70 f/2.8 et le résultat était sans appel. Les lumières ressortaient, le sujet était bien plus éclairé, la lumière naturelle était plus fluide et le résultat final était bien plus propre qu’avec un objectif f/4.

En effet, cet objectif est une référence pour ce type de photographie. Sa polyvalence couvre tous les cadrages, du plan large de la scène entière au portrait serré des musiciens. L’ouverture constante f/2.8 garantit une luminosité suffisante dans la plupart des situations. Cette focale permet en effet de s’adapter rapidement aux contraintes de la fosse sans changer d’objectif, minimisant les risques de poussière sur le capteur et maximisant votre réactivité. Elle permet en effet de couvrir la plupart des plans, même si la distance entre vous et l’artiste peut nécessiter un autre type d’objectif.

Le 70-200mm f/2.8 : pour les gros plans depuis le public

Cet objectif n’est autre que le 70-200. Il est pour moi l’indispensable lorsque vous photographiez depuis le public ou même dans le crash barrier lorsque la scène est haute et grande. Cet objectif excelle pour isoler un artiste ou réaliser des plans serrés, type portrait ou sur un détail de sa tenue par exemple. D’ailleurs, même si cela dépend de votre vision et de votre style, pour ma part, je n’utilise quasiment plus que celui-ci lorsque je suis en concert. Il est pour moi le plus adapté au rendu que je souhaite obtenir sur mes photos de concert. Bien évidemment, cela dépendra de votre style et de l’angle de vue que vous souhaitez obtenir de vos photos. Néanmoins, il dispose d’un poids conséquent, environ 1,5 kg, qui nécessite une bonne condition physique et une sangle adaptée pour les longues sessions photo.

Réglages et techniques pour optimiser votre matériel photo pour un concert

Maîtriser les hauts ISO

Les ISO sont un paramètre primordial à prendre en compte, puisque les conditions de lumière en concert exigent un matériel capable de monter en ISO sans perte de qualité significative. Les appareils modernes autorisent couramment des sensibilités allant de 3200 à 6400 avec des résultats exploitables.

N’hésitez donc surtout pas à privilégier une image légèrement bruitée mais nette plutôt qu’une photo floue à ISO plus bas. Le bruit numérique se corrige en post-traitement, notamment grâce à Lightroom et ses fonctions de réduction de bruit, contrairement au flou de bougé qui ne pourra pas être traité.

Modes de mesure et mise au point

La mesure spot s’avère particulièrement efficace en concert, permettant d’exposer précisément le visage du musicien malgré les contre-jours créés par les projecteurs arrière. Couplée au mode manuel ou priorité ouverture, elle offre un contrôle optimal de l’exposition.

Pour la mise au point, privilégiez le mode AF-C (suivi continu) avec un collimateur central ou zone flexible. Cette configuration suit efficacement les musiciens en mouvement tout en restant réactive.

Gestion de la balance des blancs en éclairage scénique

Les éclairages de scène multiplient les sources lumineuses aux températures différentes. Réglez votre balance des blancs en manuel selon l’éclairage dominant ou utilisez le mode automatique des boîtiers récents. Pour ma part, je préfère en général laisser les paramètres par défaut sur mon appareil et venir corriger la balance des blancs directement en post-traitement sur Lightroom.

Il sera donc primordial de shooter impérativement en RAW pour conserver une flexibilité maximale lorsque vous allez éditer vos photos, ce qui vous permettra de corriger les dominantes colorées extrêmes. Le post-traitement est d’ailleurs pour moi ce qui donnera un ton, une expression et un style à vos photos. C’est un pilier crucial à ne pas négliger.

Post-traitement : sublimer vos photos de concert

Lightroom : l'outil indispensable pour le développement RAW

Je l’ai évoqué un peu plus tôt dans cet article, il est primordial de shooter en RAW afin de créer et de transmettre votre vision artistique à travers vos photos retouchées. Pour ma part, j’ai appris à retoucher mes photos comme beaucoup de photographes en autodidacte. J’utilise principalement Lightroom ainsi que Photoshop en second plan. Je vous conseille donc de commencer, pour les débutants, à regarder des tutoriels et à vous exercer par vous-même après vos premiers shoots. En effet, Adobe Lightroom s’impose comme une référence pour traiter vos fichiers de concert. Lightroom va permettre de corriger rapidement les problèmes récurrents de la photographie, surtout celle en live : balance des blancs fluctuante, exposition difficile, bruit numérique élevé ou encore couleurs tamisées.

Les outils de correction locale (masques, pinceaux) excellent pour équilibrer les éclairages contrastés typiques des concerts. Vous pouvez éclaircir un visage dans l’ombre tout en préservant l’atmosphère des projecteurs colorés. Les presets dédiés à la photographie de concert accélèrent considérablement votre workflow en appliquant des corrections de base cohérentes.

La gestion des hauts ISO trouve dans Lightroom un allié précieux : les algorithmes de réduction du bruit préservent les détails tout en lissant le grain numérique. L’outil de masquage du bruit par zone permet d’appliquer des corrections ciblées selon les éléments de l’image.

Photoshop : retouches avancées et corrections créatives

J’utilise également en second plan Photoshop, qui va me permettre de réaliser des corrections localisées sur certaines de mes images. Une commande permet d’ouvrir directement Photoshop depuis Lightroom, ce qui permet de corriger rapidement une image. Par exemple, j’utilise souvent Photoshop afin d’agrandir l’image, supprimer des distractions ou encore ajouter des éléments grâce aux outils de clonage et de remplissage intelligent.

Ces fonctions sont disponibles dans Lightroom mais sont plus performantes d’après moi via Photoshop.

Les calques de réglage permettent des corrections créatives avancées : accentuation sélective des couleurs scéniques, création d’effets de lumière dramatiques, fusion d’expositions multiples pour gérer la plage dynamique extrême des concerts.

Workflow optimisé pour la photographie live

Organisez votre post-traitement en étapes logiques : import et tri rapide dans Lightroom, corrections de base par lots (exposition, balance des blancs, bruit), puis retouches individuelles des meilleures images. Cette méthode optimise votre temps face aux centaines de clichés générés par une soirée de concert.

Créez des collections par artiste ou par festival pour faciliter la livraison client. Les mots-clés automatiques (géolocalisation, données EXIF) accélèrent l’archivage et la recherche ultérieure.

Accessoires indispensables pour photographe de concert

Batteries et cartes mémoire : ne jamais être pris au dépourvu

L’intensité de la photographie de concert sollicite énormément les batteries. Prévoyez toujours au minimum deux batteries de rechange, idéalement trois pour les festivals multijours. Les poignées d’alimentation doublent l’autonomie tout en améliorant l’ergonomie pour les prises de vue verticales.

Côté stockage, privilégiez des cartes mémoire rapides (UHS-II minimum) pour éviter les ralentissements en rafale. Une carte de 64 Go suffit généralement pour une soirée, mais emportez toujours une carte de secours.

Sangle et protection : sécuriser son matériel

Une sangle de qualité professionnelle devient indispensable face au poids des téléobjectifs et à l’intensité des concerts. Les modèles à répartition du poids sur les épaules (Peak Design, BlackRapid) réduisent significativement la fatigue lors des longues sessions.

Protégez vos objectifs avec des pare-soleil, particulièrement utiles contre les projections liquides fréquentes en festival. Un filtre UV transparent offre une protection supplémentaire sans altérer la qualité optique.

Flash et éclairage d'appoint : quand et comment les utiliser

Le flash reste généralement interdit en concert pour ne pas perturber les artistes et le public. Quelques exceptions existent lors de répétitions privées ou séances backstage, où un flash cobra discret peut s’avérer utile.

Pour les festivals en extérieur, un réflecteur pliable peut améliorer l’éclairage des portraits en coulisses ou des interviews d’artistes.

Pour une vision plus large de mon travail en photographie, retrouvez également mon portfolio complet.

Conclusion

Voici selon moi le guide complet qui vous permettra de réussir vos photos de concert et de vous préparer au mieux afin d’anticiper cet environnement. La photographie peut demander plus de préparation que pour un shooting ordinaire. Vous l’aurez donc compris, choisir le bon matériel photo pour les concerts et festivals représente un investissement stratégique qui déterminera votre réussite dans cette discipline exigeante. Rappelez-vous que le meilleur équipement reste celui que vous maîtrisez parfaitement et qui correspond à votre budget réel.

Il est crucial de vous poser les bonnes questions avant un concert :

Est-ce que le concert que je vais photographier est une tournée ? Si oui, cela peut me donner pas mal d’indications sur le show puisque ce sera exactement le même qui a eu lieu dans une ville juste avant. Est-ce que je vais photographier depuis la fosse ou le public ? Est-ce que je vise une pratique amateur ou professionnelle ? Toutes ces réponses vous orienteront naturellement vers les choix de votre équipement et vous rassureront pour préparer au mieux le moment crucial.

Comment obtenir une accréditation pour un événement pour le photographier est également une étape clé à maîtriser.

Investissez progressivement : pas besoin d’acheter le matériel le plus haut de gamme du marché actuel. Commencez par un boîtier performant en basse lumière et un objectif polyvalent. Le mieux, celui qui aura une focale en f/2.8, c’est ce dont vous avez besoin, le plus important.

Votre matériel doit devenir le prolongement naturel de votre œil artistique, vous permettant de transmettre l’émotion du spectacle à travers vos images. C’est cette alchimie entre technique maîtrisée et passion communicative qui fait naître les photos de concert les plus inoubliables.

Découvrez mon portfolio de festivals et concerts pour voir des exemples concrets de cette approche en action.

Vos Questions fréquentes...

Toutes les réponses que vous chercherz en un coup d'oeil :

Quel budget prévoir pour débuter en photographie de concert ?

Pour débuter avec un matériel photo concert correct, comptez entre 1500€ et 2500€. Cette somme couvre un boîtier performant en basse lumière (Sony α6400, Canon EOS R10) et un objectif polyvalent 24-70mm f/2.8. Vous pouvez commencer avec moins, mais ce budget vous garantit des résultats satisfaisants dès vos premiers concerts.

Peut-on photographier un concert avec un smartphone ou un appareil photo compact ?

Bien que les smartphones récents offrent de bonnes performances, ils atteignent rapidement leurs limites en concert : montée en ISO limitée, absence de téléobjectif performant, et impossibilité de changer d’objectif. Pour des résultats professionnels en matériel photo concert, un appareil à objectifs interchangeables reste indispensable.

Quelle est la différence entre photographier depuis la fosse et depuis le public ?

Depuis la fosse, vous bénéficiez d’un accès privilégié mais êtes limité par la règle des trois premiers morceaux. Le matériel photo concert doit alors être polyvalent (24-70mm f/2.8 idéal). Depuis le public, vous avez plus de temps mais devez compenser la distance avec un téléobjectif (70-200mm f/2.8 recommandé).

Faut-il obligatoirement du matériel haut de gamme pour réussir ses photos de concert ?

Non, le matériel photo concert milieu de gamme (1000-2500€) peut donner d’excellents résultats. L’essentiel est de maîtriser les réglages et d’avoir un objectif lumineux (f/2.8). Un photographe expérimenté avec un boîtier accessible obtiendra de meilleures images qu’un débutant avec du matériel professionnel.

Combien d'ISO maximum peut-on monter en concert ?

Avec un matériel photo concert moderne, vous pouvez monter jusqu’à 6400 ISO voire 12800 ISO selon le boîtier. L’important est de privilégier une image nette mais bruitée plutôt qu’une photo floue. Le bruit numérique se corrige efficacement en post-traitement avec Lightroom.

Peut-on louer du matériel photo concert plutôt que l'acheter ?

Excellente idée pour débuter ! La location permet de tester différents boîtiers et objectifs avant d’investir. Comptez 50-100€ par week-end pour un kit complet (boîtier + 24-70mm f/2.8). C’est parfait pour valider vos besoins en matériel photo concert avant un achat définitif.

Le post-traitement est-il obligatoire en photographie de concert ?

Absolument ! Le post-traitement avec Lightroom et Photoshop représente 50% du résultat final. Les conditions extrêmes des concerts (éclairages colorés, hauts ISO) nécessitent des corrections de balance des blancs, de réduction de bruit et d’ajustements d’exposition. Shootez impérativement en RAW avec votre matériel photo concert.

Quelle est l'erreur la plus courante des débutants en photo de concert ?

L’erreur principale est de sous-estimer l’importance de l’objectif. Beaucoup investissent dans un boîtier coûteux mais gardent un objectif f/4 ou f/5.6. En matériel photo concert, un objectif f/2.8 lumineux fait plus la différence qu’un boîtier haut de gamme avec un objectif peu lumineux.

Comment obtenir une accréditation pour photographier un concert ?

L’accréditation s’obtient en contactant l’attaché de presse de l’artiste ou l’organisateur de l’événement, généralement 2-3 semaines avant. Présentez votre portfolio, votre matériel photo concert professionnel, et précisez l’usage des images (presse, blog, etc.). Avoir un média partenaire facilite grandement l’obtention d’accréditations.

Est-ce que tous les concerts autorisent la photographie ?

Non, chaque événement a ses règles. Certains concerts interdisent totalement la photographie, d’autres l’autorisent uniquement sans flash. Pour les photographes accrédités, la règle des trois premiers morceaux s’applique généralement. Renseignez-vous toujours avant l’événement sur les conditions d’utilisation de votre matériel photo concert.

Quel objectif choisir si on ne peut en avoir qu'un seul ?

Pour un seul objectif en matériel photo concert, optez sans hésiter pour un 24-70mm f/2.8. Sa polyvalence couvre 80% des situations : plans larges de la scène, portraits serrés des musiciens, et sa luminosité constante f/2.8 garantit des résultats dans toutes les conditions d’éclairage.

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